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Sam Cooke: 15 razões para amá-lo

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1) Seu primeiro grupo se chamava The Singing Children e era formado por Sam e seus irmãos. Na época, ele tinha apenas 9 anos de idade. O grupo acompanhava o pai, um pastor, em suas pregações por diferentes igrejas.

2) Aos 19 anos, em 1950, foi convidado a entrar no grupo gospel The Soul Stirrers como cantor principal, substituindo H. R. Harris, o cantor gospel mais importante e influente de todos os tempos.

3) Com seu talento, carisma e beleza, Sam foi responsável pela aproximação dos jovens e adolescentes da época com a música gospel. Mesmo fazendo parte de um grupo de música gospel, conseguiu o posto de sex symbol, visto que era idolatrado pelas mulheres que iam às apresentações. Fato completamente incomum.

4) A figura de Sam Cooke se tornou maior do que o grupo The Soul Stirrers. Em 1956, lançou sua primeira canção pop, chamada “Lovable”, sob o pseudônimo Dale Cook. O disfarce não funcionou muito bem, já que seu canto era único e inconfundível. Todos sabiam que Dale era Sam.

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5) Em 1957, com aprovação (Mas não contentamento) de seu pai, Sam tomou coragem para largar o grupo The Soul Stirrers e a música gospel para se tornar um artista pop. Seu primeiro single foi “You Send Me”, que alcançou a posição número um dos singles R&B para, em seguida, alcançar a posição número da Billboard.

6) “You Send Me” trouxe novos ares para o R&B, que logo viria a entrar numa nova fase e passar a ser chamado de soul music, sendo uma canção divisora de águas.

7) Sam Cooke conseguiu obter consecutivos sucessos comerciais, atingindo um público que abrangia negros e brancos, mulheres e homens, jovens e adultos. Foi o primeiro grande artista pop negro.

8) Além de visionário como cantor e compositor, Sam Cooke era um visionário como homem de negócios: foi capaz de negociar um contrato impressionante com sua gravadora, a RCA Records, se tornando o dono de suas próprias músicas. Um importante evento na história da indústria fonográfica. Também foi um dos primeiros artistas a fundar sua própria gravadora, a SAR Records, em 1961. Nela, Sam procurou expandir seus horizontes, compondo e produzindo novos e antigos grupos/artistas. Os primeiros contratados foram os membros de seu antigo grupo, The Soul Stirrers, seguido de outros artistas/grupos gospel que acompanharam Sam ao longo de sua trajetória. Sua intenção dar a oportunidade de sucesso aos amigos.

9) Ícone de estilo. Todos os artistas da soul music da época se vestiam e queriam ser como ele. Além disso, foi o primeiro a abandonar o alisamento e assumir seus cabelos crespos. Como na época Sam Cooke era o maior, todos foram no embalo e fizeram o mesmo.

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10) Era fanático por conhecimento. Possuía uma biblioteca em sua casa, com um grande acervo sobre a história afro-americana e afro-diaspórica. Tentava influenciar os artistas negros a terem mais conhecimento não só sobre sua própria história, mas sobre tudo o que acontecia pelo mundo. Dizia que, quanto mais conhecimento eles tivessem, melhores compositores seriam.

11) Em 1962, com o lançamento da canção “Bring It On Home To Me”, criou outro marco dentro da música negra e definiu a estética da soul music nos anos seguintes. Uma curiosidade: a canção tem a participação não-creditada de um certo cantor, que pode ser ouvida durante a música inteira. Esse cantor é Lou Rawls, um grande amigo de Sam Cooke (E, talvez, você o conheça por essa famosa canção).

12) Em 1963, o cantor quis gravar um álbum ao vivo num lugar pequeno, onde pudesse fazer um show diferenciado. O local escolhido foi o Harlem Square Club, um clube situado num bairro negro de Miami. Por conta do público quase exclusivamente negro, Sam pode se desprender um pouco de seu lado pop e soltar seu estilo mais agressivo de cantar, típico do gospel e do blues. Originalmente chamado de “One Night Stand”, o álbum foi vetado pela gravadora justamente pela agressividade dos vocais e da execução banda. O lançamento aconteceu apenas em 1985, quando as fitas foram redescobertas por um produtor executivo, 22 anos após sua gravação. O título foi renomeado para “Live at Harlem Square Club”. É considerado um de seus melhores álbuns e, mesmo com o gigantesco atraso de lançamento, é considerado por muitos o melhor e mais cru álbum ao vivo da história da soul music.

13) Muhammad Ali conquistou seu título mundial dos pesos-pesados em 25 de fevereiro de 1964, derrotando Sonny Liston. Na platéia, estavam presentes seus amigos Sam Cooke e Malcolm X. Logo após a vitória de Ali, Sam Cooke foi convidado pelo campeão a subir no ringue, sendo chamado por ele de “the greatest rock n’ roll singer”. Os dois ídolos mantinham uma forte relação de amizade, chegando até a gravar uma canção em parceria chamada “The Gangs All Here“, produzida (e provavelmente também composta) por Sam.

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14) Foi uma figura importante na luta pelos direitos civis. “A Change Is Gonna Come”, de 1964, é a música mais emblemática desse período. Com arranjos complexos e temática política, inspirou os que lutavam por direitos iguais e, não a toa, é trilha-sonora de dezenas de filmes e documentários que retratam a época. De um modo estranho, a canção também previu a trágica morte do próprio Sam Cooke, no mesmo ano.

15) É o artista mais influente da história da soul music e, consequentemente, um dos músicos mais influentes de todos os tempos. Definiu o som do gênero com sua incrível versatilidade e capacidade de criação. Definiu o modo como os cantores interpretariam suas canções após sua chegada, com sua técnica aprimorada e modos inovadores de cantar. Fosse em sua forma suave e elegante, em sua agressividade bluesy ou na mistura perfeita desses dois modos no mesmo fraseado. Conseguiu criar um novo jeito de compor, gravar e cantar. Jazz, blues, soul. Pop ou não. A importância de Sam Cooke é inquestionável.

Rastaman Wheel Out

Quem se lembra da minha postagem Rockers Style (Que é, por sinal, uma das melhores do Ubora)? Pois então. Eu achei que nunca veria uma manifestação atual fazendo referência a esse período, até ver esse videoclipe com cara de curta metragem do músico jamaicano Chronixx. Como já disse em postagens anteriores, esse efeito retrô é um fenômeno recente dentro da cultura afro-diaspórica. Não que, de fato, esteja rolando um revival do período setentista vivido na Jamaica, mas só de existir um bom artista que relembre esse período musicalmente e esteticamente já abre caminho para que outras pessoas conheçam, não deixando essa fase cair no esquecimento.

Quem já assistiu ao filme Rockers, de 1978, vai perceber logo de cara que o músico não quis apenas homenagear, mas fazer sua própria versão do filme. Chronixx faz as vezes de Leroy “Horsemouth” Wallace – o carismático protagonista de Rockers -, se metendo em problemas parecidos com os que ele se mete ao longo do filme. A canção tema faz parte do álbum “Dread & Terrible”, lançado em abril.

Ubora Podcast: R&B oitentista

E sai o primeiro podcast do Ubora!

Resolvi falar sobre um período musical que eu antes odiava, depois passei a amar e a odiar, mas agora amo muito mais do quê odeio (Embora ainda odeie um pouquinho): o R&B da década de 1980.  São pouco mais de 40 minutos não só de música, mas de muitos comentário feitos por mim sobre as músicas e sobre essa década intrigante. É isso!

Acessem o Podcast neste link: http://soundcloud.com/uborablog/podcast-r-b-oitentista

rick jjames

O Maranhão é a Jamaica Brasileira

Maranhão é uma terra de mistérios. Digo, mistérios para um paulistano como eu, que pensa que em São Paulo existe de tudo. Quando vi no youtube um show do Ken Boothe cantando no Maranhão fiquei desacreditado. Com o Dennis Bovell foi a mesma coisa. Ken Boothe é um cantor que está na ativa desde a década de 1960 e não é um astro idolatrado pela massa regueira “comum”. Assim como não é Dennis Bovell. Mas, no Maranhão, seus shows lotam. E esses caras sequer passaram por São Paulo. Aprendi que São Luís do Maranhão é “a capital brasileira do reggae” vendo um show da Alcione. Me intrigou mas não dei importância, nem procurei saber. Maranhenses dizem que lá é a Jamaica brasileira. Quando conhecemos um pouco dessa história fica difícil discordar.

As teorias mais prováveis apontam a chegada do reggae no Maranhão já no início da década de 1970, pouquíssimo tempo de sua criação. Alguns dizem é que os discos eram trazidos por marinheiros da Guiana Francesa, que os trocavam por outras mercadorias, mas essa é apenas uma das teorias. O fato é que o gênero tomou de assalto as ruas de São Luís e, em seguida, dominou as rádios. O povo sentiu e reconheceu a origem africana comum no som e o adotou como seu. Tão seu que nas terras maranhenses é comum dar o reggae como par, juntinho.

Um documentário de 15 minutos, gravado no ano de 1990, explica muito bem como o reggae bate no coração do povo maranhense. Assisti-lo é obrigatório:

Estilo negro?

Em novembro e dezembro participei de dois debates relacionados à estética afro-brasileira. O primeiro aconteceu no evento Caldeirão do Negão e o segundo na semana da Feira Preta. Nos dois, pelo pouco tempo disponível não foi possível transformar um encontro num real debate, onde seria discutido o que é o estilo negro e a moda afro-brasileira. Como nos dois eventos não pude expôr a maioria das coisas que penso sobre o assunto, resolvi fazer essa postagem.

Hazel Scott

A interrogação no título da postagem não é a toa. Como seria possível definir um estilo negro se existem tantos? O primeiro erro ao tentar fazer uma análise sobre o assunto está em limitar o que é - ou o quê é entendido como - a estética negra. O blog vai na contramão disso, aliás. Vulgarmente a estética negra é divida em duas partes: as roupas da cultura Hip Hop (Calças largas, tênis de basquete, camisetas largas etc) e o conjunto de roupas entendidos como autenticamente africanos, compostos por batas e turbantes, geralmente feitos de tecidos com padronagens africanas coloridas e peles de animais (Padronagens que muitas vezes não são nem africanas, peles de animais que sequer existem na África, como os tigres). A primeira é apresentada como o lado urbano e moderno, a segunda como tradicional e carregada de sentidos ligados às tradições africanas e afro-brasileiras (Religião, comida etc). É importante frisar que isso não é apenas acaso, mas sim uma face do racismo, a que quer limitar e caracterizar o negro a partir de visões externas (Não as do próprio negro), ignorando a amplitude da cultura negra na diáspora. Vai um trecho de uma entrevista de Mano Brown para a revista Rolling Stone, que acho bem pertinente:

“O rap não pode ser limitante. O negro já tem tantas limitações no Brasil, tantas regras e o rap ainda te põe mais cerca. Não pode isso, não pode aquilo.”

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O paralelo que pode ser feito entre o assunto tratado aqui e a frase de Mano Brown é perfeito. O rap é visto como um gênero limitado em assuntos. Quem foge desses assuntos é visto como “vendido”, como quem “traiu as origens”, que “não fala sobre a realidade” e outras denominações difamatórias. É uma visão tão limitada que ignora a própria trajetória do rap, sempre tratando de temas variados desde o seu início. Quem faz rap com estética e temática dançante também é criticado, visto como alguém alienado aos problemas que cerca a vida do negro e periferia. Argumento muitas vezes justificado com um verso da Facção Central: “Não canto pra maluco rebolar / meu som é pra pensar / pra ladrão raciocinar”. Então ignoremos Afrika Bambaataa, Kurtis Blow. E rejeitemos Marvin Gaye, James Brown, Stevie Wonder, Sam Cooke. Afinal, a música verdadeira e “não-vendida” deve falar sobre um número limitado de temas, sempre contestadores, e não pode ser feita para dançar. Mesmo que haja espaço pra tudo na amplitude da cultura afro-diaspórica e mesmo que a luta das décadas passadas tenham sido embalada por músicas dançantes, a maioria sem temas contestadores. Com a estética é a mesma coisa: é adotada uma visão limitante que ignora uma história cheia de exemplos contrários a essa visão. Exemplos que destroem essas limitações com a maior facilidade.

Esse assunto acaba caindo na discussão sobre o que é a moda afro-brasileira, e a moda afro-brasileira leva àquela famosa discussão sobre a busca da identidade brasileira na moda. Eu considero um assunto chato. Primeiro porque o Brasil é muito grande e diverso pra tentar achar uma ou algumas identidades. Segundo porque as identidades brasileiras estão bem definidas e por aí, pelas pessoas que estão pelas cidades. Qual a necessidade da representação disso nas passarelas para nos certificarmos que essas identidades existem? Qual a necessidade de ter aval dessas autoridades da moda? Autoridades brancas e de classe média, que nunca vão reconhecer que a verdadeira identidade do jovem paulistano – da maioria deles, pelo menos – é construída por jovens pretos e/ou periféricos. E que ela é composta por óculos espelhados da Oakley, camisetas da Ecko e da Ed Hardy, polos listradas, boné de aba-reta e meia na canela. Por calças apertadas da D&G, shorts curtíssimos e tênis de academia. As marcas quase sempre falsificadas. Que perturbam o sossego não só quando vão fazer o famoso rolezinho no shopping (Encarados como arrastão, mesmo se nada for roubado), mas também quando passam de carro e trazem junto uma voz acompanhada por uma percussão africana característica, com o volume no máximo. É a realidade versus a fantasia. Fantasia, obviamente, representada pelo mundo da moda. Não é por acaso que a maioria dos sites de street style de São Paulo se limitam a fotografar transeuntes da Rua Oscar Freire, Rua Augusta (Sempre sentido Pinheiros) e grandes festivais de rock. Para os que não conhecem eu explico: a região citada possui uma grande concentração de marcas de luxo, frequentadas por pessoas ricas e pela classe-média descolada. Não querem enxergar e muito menos exibir o universo que existe além de seu limitado campo de visão. Criam representações limitadas – diria até representações falsas – de um povo, assim como fazem os comerciais de TV.

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Essas pessoas, que estão no comando dos meios de comunicação e grandes empresas, nos vêem de forma caricata e limitada. Em seguida, nos repassam essa imagem, como se fossemos aquilo e apenas aquilo. Combater isso é importante pois não só muda a imagem que os outros têm de nós, mas principalmente a imagem que temos de nós mesmos e dos que são iguais a nós. Depois de repetir a palavra “definição” e suas variantes tantas vezes ao longo do texto, vou compartilhar a definição pessoal que tenho sobre o assunto: estilo negro é tudo o quê o negro usa em seu contexto e atribui um significado. Atribuir um significado não é teorizar sobre suas roupas, mas sim fazer com que elas e a forma como elas são usadas, sejam relevantes em seus dias. Seja a forma como Muddy Waters e Little Richards usavam seus cabelos e ternos, seja como Kathleen Cleaver e Angela Davis usavam seus cabelos e casacos, seja Sly Stone, Peter Tosh, Arlindo Cruz, Laurel Aitken, Nelson Triunfo, Pharrell ou Rihanna. E espero que o Ubora contribua não só como fonte de conhecimento, mas também para ajudar na mudança de imagem que temos sobre nós mesmos.

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Conselhos gerais

O famoso passo-além na questão de se vestir que eu sempre comento – e sempre comentarei – é entender que isso é muito mais do que colocar um amontoado de peças legais no mesmo corpo. Um jeans de 5 bolsos, sem lavagem, que teve a cintura e os quadris ajustados por um alfaiate e que está no comprimento certo provavelmente vai parecer muito melhor do que um belíssimo jeans diferentão que você usa do jeito que veio, se você já tiver um olhar apurado. Primeiro é necessário saber o quê te agrada verdadeiramente, porque nem tudo o quê a gente admira por fotos é o quê nos deixa confortável mentalmente quando usamos. Certos visuais servem apenas como inspiração “abstrata”, não como inspiração literal, como se você realmente quisesse se vestir daquela forma. Das inspirações literais, aquelas que você olha e pensa “porra, quero me vestir como esse cara”, você tira as informações relevantes: o tipo de calça que o sujeito usa (Corte, ajustes, comprimento da barra), o tipo de camisa e camiseta (Corte, tipo de gola, tamanho das mangas), calçados e acessórios usados.

Estilo próprio? Pra quê? Nada surge do nada, ninguém é absolutamente único, precisamos sim de ícones que nos servem como bússola. Não vejo motivos para encanar com isso. Aliás, acho que é necessário se inspirar de forma direta mesmo, tentar absorver o máximo do estilo de alguém que admiramos. Depois de estudar e compreender a lógica da pessoa ao se vestir (Considerando que é alguém que sabe o quê faz) é que temos a capacidade de variar e inserir novos elementos, mudar certas coisas e adaptar ao nosso tipo de físico. E falando em tipo físico: musculação importa, porque dá proporcionalidade ao corpo (Se você se esforçar pra isso) e te faz “preencher” melhor as roupas. Inevitavelmente as roupas começam a cair muito melhor. Se seus ícones inspiradores são norte-americanos, repare em seus corpos e chegará a essa conclusão. O pessoal de lá dá justa importância à construção corporal.

É importante não cair em genéricos. Se você procura um bom chapéu, vá direto à fonte: uma boa e tradicional chapelaria. Se procura um bom sapato, esqueça as lojas genéricas do shopping. Se quer um corte de cabelo igual ao do Big Daddy Kane, deixe crescer, leve uma foto ao cabeleireiro da sua quebrada e peça o corte sem “mais ou menos”, sem amenizar. Para dar certo, as coisas não pode ser diluídas para ficar mais discreto ou algo do tipo, tem que ser feitas do jeito que devem ser feitas.

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Para ilustrar melhor o que eu disse, vou me usar como exemplo e comentar um pouco das minhas preferências. O blog reflete as minhas preferências estética, afinal, eu preciso escrever sobre o que gosto e, consequentemente, tenho algum domínio. Eu tenho preferência pelo mais tradicional, o clássico e atemporal. Já não tenho mais idade pra me prender a modismos, embora eu também me interesse por algumas coisas atuais e incorpore o que me é conveniente. O estilo dos jamaicanos na década de 70 e 80, o Ivy League style, o estilo urbano dos afro-americanos do início da década de 1970 e os estilos urbanos da Inglaterra são os que mais me influenciam, já que estão diretamente ligados ao meu estilo de vida.

Camisas com colarinho button-down (Com botões nas pontas), bem altos, ao estilo década de 1960, são as minhas preferidas. Prefiro as brancas ou coloridas de um xadrez tradicional (Tartan ou gingham), como as mais clássicas da Ben Sherman ou Mikkel Rude. Sempre para dentro da calça, assim como as polo (Brancas simples, com elástico nas mangas). Mangas curtas, quase sempre. Quando possuem padronagens paisley, floridas ou estilo africanas, prefiro um colarinho sem botões, assim como no caso das camisas feitas para se usar para fora da calça (De flanela, jeans ou de algodão bem molinho, como as guayabera).

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Calças jeans com os quadris e cintura devidamente ajustadas por um alfaiate. O comprimento varia e é aí que está a malandragem do negócio, a importância de conhecer. Um jeans sem lavagem de corte slim (Ajustado ao corpo), que prefiro usar com loafers e brogues, por exemplo, termina ainda na canela (Uns 3 ou 4 dedos antes dos pés), deixando expostas as meias que estou usando. Algo mais sessentista. Já a minha calça raw selvedge, de corte reto (Ao estilo Levi’s 501), eu só uso com a barra dobrada. Ou seja, o comprimento dela precisa ser maior do que o do jeans slim, para conseguir dobrar duas vezes e não ficar muito curta. Nas calças skinny (Bem justas), que não gosto que fiquem muito curtas, o comprimento varia. Algumas são mais compridas pois só uso com barras dobradas, outras mais curtas pois não dobro as barras. Uma calça de veludo, por exemplo, eu não acho que fique bem com barras dobradas. E não gosto desse tipo de calça num corte reto, prefiro algo mais ajustado. Então, se comprasse uma, mandaria acertar o comprimento como o do jeans slim, uns 3 ou 4 dedos antes dos pé. Chino, assim como as jeans, são versáteis e ficam bem dobrando ou não dobrando as barras, por isso pode variar. Já as “smart trousers” ficam péssimas dobradas, então precisam estar sempre no comprimento certo. Cintura alta é regra, pra mim.

Prefiro sapatos a tênis. Gosto de brogues, especificamente os longwings (Não gosto de wingtips). Derbies lisos, tassel loafers e botas de variados tipos me agradam. Não sou mais fã de docksides. Tenho preferência por sapatos mais agressivos e solas grossas, docksides são muito “soft”. Justamente pela agressividade, me agradam os variados sapatos Doc Martens. Os modelos de tênis que mais gosto são running ao estilo década de 1970, mas os de cano alto também tem algum espaço na minha vida, de vez em quando.

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Jaquetas varsity, jeans, bomber, harringtons e outras: devem terminar antes de chegar à bunda. Mas também tem as compridas, como as parkas e outras jaquetas militares, além das working jacket. As mangas nunca devem cobrir as mãos, por isso o comprimento deve estar certo e devidamente ajustado ao punho (Principalmente se tiver elástico nas mngas). Coletes, suéteres, cardigans etc prefiro os bem colados ao corpo, que terminem antes de chegar na bunda. Colete de alfaiataria só com terno. Óculos escuros da década de 1960 me agradam bastante. Meias de algodão, das mais variadas cores, mas nunca as esportivas.

Os gêmeos Joachim ilustram a postagem toda. Os escolhi porque eles mostram um estilo possível ao homem normal. À exceção das gravatas, acredito que o estilo deles define muito bem a possibilidade de um refinamento estético – o passo-além – dentro de um contexto urbano, do cara normal, que realmente anda nas ruas. Opções que vão além da combinação jeans e camiseta. Misturando camisetas e smart trousers, jeans e camisas, jeans e loafers, toucas, coletes, tênis certos… Tudo de uma maneira bem interessante. Acho que, independentemente do estilo que você gosta, eles conseguem representar muito bem o quê eu quis dizer nessa postagem e servem de inspiração pra qualquer um.

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